Академическая живопись

Художественные академии и их влияние 

 Академизм – направление европейского изобразительного искусства 16-19 веков для которого характерно:

- следование классическим традициям;

- популяризация творчества периодов Античности и Возрождения;

- высокие требования к техническому мастерству художников.  

Иными словами, академической можно назвать живопись высочайшего качества и технического исполнения, не признающей новаторств.

Возникновение этого направления связано с появлением Академий художеств, от которых художники и их репутация всецело зависели. Академиям были чужды новшества и необычные идеи. По сути, академическим можно назвать искусство, одобренное парижской Академией изящных искусств. 

Академий было довольно много по всей Европе, но изначально они возникли в 16 веке в Италии. И после этого целых 2 столетия, начиная с 17 века, академии завладели всем художественным миром и полностью его контролировали. Любой художник мечтал учиться в академии, даже уже практикующим художникам было важно стать участниками подобных организаций.  

Академиям было решать каким должно быть искусство, одобрять его или отвергать. Поступление в академию для художников было гарантией успешной карьеры, однако попасть туда было совсем непросто. После сложного вступительного экзамена требовалось еще долго и напряженно учиться.

Эталоном, на который равнялись все художественные академии, была парижская школа изящных искусств, основанная в 1648 году. После объединения с несколькими другими школами, она стала самой большой и влиятельной организацией в художественном мире.

Художники и ремесленники 

Одной из причин укоренения академизма была необходимость в том, чтобы, используя определенные критерии и принципы, отличить труд художников от обычных ремесленников. «Ручной труд» объединял эти профессии, поэтому важным было сделать упор на интеллектуальность творчества. Стать художником означало много лет старательно учиться, изучать техники мастеров живописи в прошлом, получить рекомендацию преподавателя. Далее требовалось еще несколько лет тренироваться в живописи копируя уже созданные шедевры для оттачивания мастерства в передаче цветов и форм объектов. На следующем этапе студенты рисовали классические статуи с натуры и только после этого можно было получить разрешение рисовать с живой натуры.

Нельзя было приступать к занятиям живописью, не став мастером в рисунке сначала в карандашной графике, а потом в изображении различных фигур. Только приручив техники для работы с цветом можно было поступить в мастерскую к признанному академическому художнику. Профессиональным художником можно было стать, получив признание «ассоциата искусств». Работая в одобренном академией стиле, можно было в перспективе стать академиком.

Академическое искусство и его ограничения

Академическая живопись характеризуется иерархическим распределением жанров. Это было нужно для демонстрации назидательной ценности творчества, а также для удобного регулирования французской живописи.   

 Список жанров с 1669 года:

1. историческая тематика полотен;
2. портрет;
3. пейзаж;
4. жанровая живопись;
5. натюрморт.  

От жанра зависела стоимость работы, получение стипендий и премий от академии. Наивысший статус присваивался историческим полотнам, картинам на библейские и мифологические темы. Самую низшую ступень, а значит, и наименее оплачиваемую, занимали жанровая живопись и натюрморты. 

Кроме распределения по жанрам существовали и правила написания картин, которые включали в себя: 

1. стиль;
2. используемые цвета;
3. правильность наложения мазков.

К одобряемым стилям относятся неоклассицизм, для которого характерна четкость рисунка и романтизм, с присущей ему выразительностью цвета. По мнению академии, комбинация этих двух стилей позволяла создавать идеальные полотна.

Кроме технических требований, в произведении должна была прослеживаться определенная смысловая и интеллектуальная нагрузка. В поиске вдохновения художники обращались к литературе, мифологии, религии. С помощью аллегорий изображались евангельские события, исторические личности, фрагменты античных произведений. Неизменным было донесение зрителю вечные истины, идеалы и мораль через выбранные сюжеты или символические предметы. Работа с цветами, идеальная светотень и перспектива, идеализация персонажей и четкое соответствие выбранной эпохе – этим пронизаны работы художников-академистов.  

Выставки 

Официальной художественной выставкой Академии изящных искусств был Парижский салон. Это была самая престижная выставка многих десятилетий. Первый Парижский салон был проведен в 1667 году и до 1791 в нем были представлены работы только представителей Академии. Салон приобрел еще больший статус после 1748 года. Тогда из академиков создали комиссию, решающую какие картины будут экспонированы. 

Каждый художник старался представить свои лучшие работы, которые могли бы понравиться жюри с их академическими требованиями. Даже карьера и репутация живописца могли зависеть от одобрения работы академией и ее успеха на выставке.  

Начиная с 1725 года салон проводили ежегодно, и для всей художественной жизни он был главным событием.      

Имея огромное влияние на искусство в Европе, Парижский салон также был и механизмом Академии вынудить художников работать по устаревшим и все более строгим эстетическим нормам. Неудивительно, что все стремительней развивающееся сопротивление художников привело к расколу в 1863 году, несмотря на пик популярности салонов в середине 19 века.

Причиной первой трещины стал скандал из-за отказа комиссии принять на выставку 2000 работ. Отклоненные произведения, получив название Салон отверженных, все же смогли быть выставлены благодаря содействию императора Наполеона III.

После этого события многие художники организовывали свои собственные выставки, что постепенно разрушило статус Парижских салонов.   

Парижский салон существует и проводится до сих пор, но только в качестве известной и престижной художественной выставки. 

Представители академизма

Все художники, которые учились в Академии и впоследствии стали ее членами были академистами. Самыми известными стали ее 12 основателей:

1. Адольф Бугеро - использовал в своем творчестве религиозные и исторические темы; 
2. Жан-Леон Жером – портретист и любитель восточной тематики в картинах;   
3. Поль Деларош - создавал произведения натуральной величины, изображая легенд и исторические персонажи;
4. Александр Кабанель – приверженец классических сюжетов.   

Эти художники стали успешными представителями академизма благодаря успешным сочетаниям неоклассических и романтических жанров живописи, как того и требовала Академия.